Era de la idiotez indie (II) :: 22:13
Nunca creí que la música pop fuese tan inocente como pretende aparentar. No hay terreno neutral el universo y no existe música totalmente apolítica. Y si bien en general la música pop esta generalmente asociada a fines horrendos en este nivel, hay gente que carga a la música pop con culpas solo atribuibles a verdaderos Ejes del Mal como Monsanto, Microsoft o Berlusconi.
Los últimos meses adopté la afición de conocer que canciones están encabezando los rankings en diversos países. Es así que conocí “I know UR girlfriend hates me” de la noruega Annie, la canción del momento en su país natal y seria candidata canción del (recién comenzado) verano en Europa.
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La canción no tiene nada sorprendente ni innovador, pero es un pegote mental instantáneo. Me gusta. No tenia idea de la existencia de esta chica (sisisi, ya sé que vos si) pero una breve y rápida búsqueda de información me brindó un dato que en ese momento me pareció interesante. En los tiempos de su álbum debut (Anniemal, 2004) la chica tuvo bastante apoyo de la comunidad indie, y fue, efusivamente hypeada por Pitchfork. Si bien el video de I know UR girlfriend hates me era propio de cualquier diva teen pop, por alguna extraña razón Anniemal recibió criticas elogiosas en todo el mundo y se la solía señalar como un extraño caso de credibilidad artística dentro de la música pop. Annie es una cantante pop indie-friendly, “A Kylie it`s cool to like”, “Es pop, pero no es como Britney Spears”.
Como la experimentación en el ámbito música pop es uno de mis fetiches, decidí bajarme Anniemal rápidamente, esperando encontrar un disco por lo menos interesante.
Fue toda una decepción. La pretendida diferencia no existe. Este disco no tiene absolutamente nada de diferente a un disco contemporáneo pop común y corriente. De hecho, es bastante mas conservador y previsible que gran parte de la obra de Kylie Minogue, Madonna, Britney Spears, Girls Aloud o Sugababes. Todas ellas tienen temas que son Einsturzende Neubauten al lado del tema mas arriesgado de Annie. T.A.T.U. es Throbbing Gristle. No me refiero al ruido, me refiero a intensidad y riqueza de ideas. Y no sigamos con equivalencias a música pop de otras épocas porque la pobre Annie va a quedar al nivel Lourdes. Anniemal (4 estrellas y media en allmusic) tiene largos pasajes de una chatura y previsibilidad de recursos que lo vuelven aturdidoramente aburrido.
¿Por que la Pitchfork se excitó con esta chica y rara vez reconoce meritos o siquiera trata a todas las chicas de la lista anterior?. ¿Por qué gran parte de la comunidad indie se niega a escucharlas de plano y pierde el tiempo babeándose con Annie?.
La respuesta es simple: son bobitos. Pero no solo, también son humanos, y como todos los humanos viven en un universo de representaciones. No les gusta Annie por lo que es, sino por lo que connota.
Por alguna misteriosa razón, en la comunidad indie algunos países son mas cool que otros. Basta ver la adoración instantánea por cualquier cosa que salga de Islandia. Ser escandinavo es un misterioso plus.
Annie no es ninguna nena. Por lo que no tiene ese tufillo a teen music que los indies tanto detestan. Porque claro: la música por o para adolescentes siempre es horrible e inocua.
Annie no es negra y no tiene ningún rastro de hip hop demasiado evidente.
Ser desconocido para la mayoría de la gente es un plus. No importa que la música de Annie sea mas chata que la de Britney. A Britney a la conoce hasta el portero, a Annie la conocemos solo yo y mis selectos contactos del messenger. Al no ser algo masivo se consume sin culpa.
Annie compone la gran mayoria de sus canciones. Trabajar con compositor no esta bien visto.
Como casi toda la música hypeada por la comunidad indie, la música de Annie carece de toda ambición o riesgo. Es modesta, segura y no quiere afectar a nada ni nadie.
En definitiva, es una visión tan llena de prejuicios como cualquier otra. Y cabe aclarar para no caerle solo a unos pocos, que en cada subcultura dentro del rock hay prejuicios iguales.
Bueno perdón es que me que posteaba encima
Aquí esta el coreografiado video de Annie:
[1] Pero Maná no es pop. En todo caso Maná es lo que era The Police un par de décadas atrás: la banda pop para el músico virtuoso medio uruguayo. “Son buenos musicos y muy profesionales”.
Etiquetas: annie, idiotez, musica pop
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Reader`s digest (II) :: 13:38
La politica y el gobierno en esta region economica que llamamos “pais” son un lastre del que seria mejor deshacerse de la misma manera que se vuelve necesario deshacerse de un tumor canceroso en el momento de detectarlo...no necesitamos intermediarios inutiles chupasangre entre las corporaciones y nosotros, sus hijos y subditos...soy partidario de que se nos deje a solas con la jodida fiera, sin sedantes, porque la politica es hoy apenas un ala del ShowBiz, una puesta en escena para hacernos creer que nuestros destinos estan determinados por un mequetrefe con cuerpo fisico, extremidades y apellidos que “elegimos” tachoneando un papel.
Miki Guadamur, en una entrevista en el numero 1 de Vuelvete Underground
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No repetiré todas las clásicas críticas socialistas y anarquistas del capitalismo y el estado. Son ampliamente conocidas, o al menos ampliamente accesibles. Pero para acabar con algunas de las confusiones de la retórica política tradicional puede ser útil resumir los tipos básicos de organización social. En atención a la claridad, comenzaré examinando separadamente aspectos “políticos” y “económicos”, aunque están obviamente interrelacionados. Es tan fútil tratar de igualar las condiciones económicas de la gente mediante una burocracia de estado como lo es intentar democratizar la sociedad mientras el poder del dinero permite a una minúscula minoría controlar las instituciones que determinan la conciencia de la realidad social de la gente. Puesto que el sistema funciona como un todo sólo puede ser cambiado fundamentalmente como un todo.
Comenzando con el aspecto político, podemos distinguir de forma aproximativa cinco grados de “gobierno”:
Comenzando con el aspecto político, podemos distinguir de forma aproximativa cinco grados de “gobierno”:
(1) Libertad sin restricción
(2) Democracia directa
a) consenso
b) dominio de la mayoría
(3) Democracia delegativa
(4) Democracia representativa
(5) Dictadura abierta de una minoría
La sociedad actual oscila entre (4) y (5), es decir entre el dominio abierto de la minoría y el dominio encubierto de la minoría camuflado por una fachada de democracia simbólica. Una sociedad liberada debe eliminar (4) y (5) y reducir progresivamente la necesidad de (2) y (3).
Discutiré más tarde los dos tipos de (2). Pero la distinción crucial está entre (3) y (4).
En la democracia representativa la gente abdica de su poder en beneficio de candidatos elegidos. Los principios proclamados por los candidatos se limitan a unas cuantas generalidades vagas, y una vez que han sido elegidos hay poco control sobre sus decisiones reales acerca de cientos de problemas — aparte de la débil amenaza de cambiar el voto, unos años más tarde, a cualquier rival político igualmente incontrolable. Los representantes dependen de los ricos mediante sobornos y aportaciones a la campaña; están subordinados a los propietarios de los medios de comunicación, que deciden qué temas consiguen publicidad; y son casi tan ignorantes y débiles como el público general en lo que respecta a muchos asuntos importantes que están determinados por burócratas y agencias secretas independientes. Los dictadores abiertos son a veces derrocados, pero los verdaderos dominadores en los regímenes “democráticos”, la pequeña minoría que posee o controla virtualmente todo, nunca ganan ni pierden el voto. La mayoría de la gente no sabe siquiera quiénes son.
En la democracia delegativa, los delegados son elegidos para propósitos determinados con muy específicas limitaciones. Pueden actuar estrictamente bajo mandato (encargados de votar de una cierta manera en un cierto asunto) o el mandato puede dejarse abierto (los delegados son libres de votar como mejor crean) reservándose la gente que los ha elegido el derecho a confirmar o rechazar cualquier decisión así tomada. Generalmente los delegados son elegidos para períodos muy cortos y están sujetos a revocación en todo momento.
En el contexto de las luchas radicales, las asambleas de delegados se han llamado normalmente “consejos.” La forma del consejo fue inventada por los trabajadores en huelga durante la revolución rusa de 1905 (soviet es la palabra rusa que significa consejo). Cuando los soviets reaparecieron en 1917, fueron sucesivamente apoyados, manipulados, dominados y cooptados por los bolcheviques, que pronto consiguieron transformarlos en parodias de sí mismos: sellos de caucho del “Estado Soviético” (el último soviet independiente que sobrevivió, el de los marineros de Kronstadt, fue aplastado en 1921). No obstante los consejos han continuado para reaparecer espontáneamente en los momentos más radicales de la historia subsiguiente, en Alemania, Italia, España, Hungría y otros lugares, porque representan la solución obvia a la necesidad de una forma práctica de autoorganización popular no jerárquica. Y continúan recibiendo la oposición de todas las organizaciones jerárquicas, porque amenazan el dominio de las élites especializadas señalando la posibilidad de una sociedad de la autogestión generalizada: no la autogestión de unos cuantos detalles del sistema presente, sino la autogestión extendida a todas las regiones del globo y a todos los aspectos de la vida.
Pero como señalamos arriba, la cuestión de las formas democráticas no puede ser separada de su contexto económico.
Irracionalidades del capitalismo
Discutiré más tarde los dos tipos de (2). Pero la distinción crucial está entre (3) y (4).
En la democracia representativa la gente abdica de su poder en beneficio de candidatos elegidos. Los principios proclamados por los candidatos se limitan a unas cuantas generalidades vagas, y una vez que han sido elegidos hay poco control sobre sus decisiones reales acerca de cientos de problemas — aparte de la débil amenaza de cambiar el voto, unos años más tarde, a cualquier rival político igualmente incontrolable. Los representantes dependen de los ricos mediante sobornos y aportaciones a la campaña; están subordinados a los propietarios de los medios de comunicación, que deciden qué temas consiguen publicidad; y son casi tan ignorantes y débiles como el público general en lo que respecta a muchos asuntos importantes que están determinados por burócratas y agencias secretas independientes. Los dictadores abiertos son a veces derrocados, pero los verdaderos dominadores en los regímenes “democráticos”, la pequeña minoría que posee o controla virtualmente todo, nunca ganan ni pierden el voto. La mayoría de la gente no sabe siquiera quiénes son.
En la democracia delegativa, los delegados son elegidos para propósitos determinados con muy específicas limitaciones. Pueden actuar estrictamente bajo mandato (encargados de votar de una cierta manera en un cierto asunto) o el mandato puede dejarse abierto (los delegados son libres de votar como mejor crean) reservándose la gente que los ha elegido el derecho a confirmar o rechazar cualquier decisión así tomada. Generalmente los delegados son elegidos para períodos muy cortos y están sujetos a revocación en todo momento.
En el contexto de las luchas radicales, las asambleas de delegados se han llamado normalmente “consejos.” La forma del consejo fue inventada por los trabajadores en huelga durante la revolución rusa de 1905 (soviet es la palabra rusa que significa consejo). Cuando los soviets reaparecieron en 1917, fueron sucesivamente apoyados, manipulados, dominados y cooptados por los bolcheviques, que pronto consiguieron transformarlos en parodias de sí mismos: sellos de caucho del “Estado Soviético” (el último soviet independiente que sobrevivió, el de los marineros de Kronstadt, fue aplastado en 1921). No obstante los consejos han continuado para reaparecer espontáneamente en los momentos más radicales de la historia subsiguiente, en Alemania, Italia, España, Hungría y otros lugares, porque representan la solución obvia a la necesidad de una forma práctica de autoorganización popular no jerárquica. Y continúan recibiendo la oposición de todas las organizaciones jerárquicas, porque amenazan el dominio de las élites especializadas señalando la posibilidad de una sociedad de la autogestión generalizada: no la autogestión de unos cuantos detalles del sistema presente, sino la autogestión extendida a todas las regiones del globo y a todos los aspectos de la vida.
Pero como señalamos arriba, la cuestión de las formas democráticas no puede ser separada de su contexto económico.
Irracionalidades del capitalismo
La organización económica puede estudiarse desde la perspectiva del trabajo:
(1) Totalmente voluntario
(2) Cooperativo (autogestión colectiva)
(3) Forzado y explotador
____ a) abiertamente (trabajo de los esclavos)
____ b) disfrazado (trabajo asalariado)
Y desde la perspectiva de la distribución:
(1) Verdadero comunismo (accesibilidad totalmente libre)
(2) Verdadero socialismo (propiedad y regulación colectivas)
(3) Capitalismo (propiedad privada o estatal)
(1) Totalmente voluntario
(2) Cooperativo (autogestión colectiva)
(3) Forzado y explotador
____ a) abiertamente (trabajo de los esclavos)
____ b) disfrazado (trabajo asalariado)
Y desde la perspectiva de la distribución:
(1) Verdadero comunismo (accesibilidad totalmente libre)
(2) Verdadero socialismo (propiedad y regulación colectivas)
(3) Capitalismo (propiedad privada o estatal)
Aunque es posible regalar los bienes y servicios producidos por el trabajo asalariado, o aquellos producidos por el trabajo voluntario o cooperativo para convertirse en mercancías para el mercado, la mayor parte de estos niveles de trabajo y distribución tienden a corresponderse unos con otros. La sociedad actual es predominantemente (3): producción y consumo forzados de mercancías. Una sociedad liberada debe eliminar (3) y reducir (2) tan pronto como sea posible en favor de (1).
El capitalismo se basa en la producción de mercancías (producción de bienes para conseguir beneficios) y el trabajo asalariado (la propia fuerza del trabajo se compra y se vende como una mercancía). Como apuntaba Marx, hay menos diferencia entre el trabajador esclavo y el “libre” de lo que parece. Los esclavos, aunque no parecen percibir nada a cambio, son provistos de los medios de su supervivencia y reproducción, por los que los trabajadores (que se convierten en esclavos temporales en sus horas de trabajo) están obligados a pagar la mayor parte de su salario. El que algunos trabajos sean menos desagradables que otros, y que los trabajadores tengan el derecho nominal a cambiar de trabajo, emprender su propio comercio, comprar stocks o ganar a la lotería, encubren el hecho de que la inmensa mayoría de la gente está colectivamente esclavizada.
¿Cómo hemos llegado a esta absurda situación? Si retrocedemos lo suficiente, encontramos que en algún momento la gente fue desposeída por la fuerza: expulsada de la tierra y además privada de los medios para producir los bienes necesarios para la vida. (Los famosos capítulos sobre la “acumulación primitiva” de El Capital describen vívidamente este proceso en Inglaterra.) En la medida en que la gente acepta esta desposesión como legítima, están obligados a un trato desigual con los “propietarios” (los que les han robado, o quienes han conseguido después títulos de “propiedad” de los ladrones originales) en el que intercambian su trabajo por una fracción de lo que realmente producen, siendo retenida la plusvalía por los propietarios. Esta plusvalía (capital) puede entonces reinvertirse para generar continuamente mayores plusvalías de la misma forma.
A efectos de distribución, una fuente pública de agua potable es un ejemplo simple de verdadero comunismo (accesibilidad ilimitada). Una biblioteca pública es un ejemplo de verdadero socialismo (accesibilidad libre pero regulada).
En una sociedad racional, la accesibilidad debería depender de la abundancia. Durante una sequía, el agua debe ser racionada. A la inversa, una vez que las bibliotecas estuviesen enteramente puestas on-line podrían llegar a ser totalmente comunistas: todos podrían tener acceso libre al instante a cualquier número de textos sin necesidad de fichar ni devolverlos, de seguridad contra ladrones, etc.
Pero esta relación racional está impedida por la persistencia de los intereses económicos separados. Por tomar el último ejemplo, pronto será técnicamente posible crear una “biblioteca” mundial en la que todos los libros escritos, todas las películas realizadas y todas las interpretaciones musicales grabadas podrían ponerse on-line, potencialmente accesibles a cualquiera, para recibir libremente y obtener copias (sin necesidad ya de tiendas, comercios, propaganda, empaquetado, transporte, etc.). Pero como esto eliminaría los beneficios actuales en la publicación, grabación y comercio de películas, se invierte mucha más energía confeccionando complicados métodos para prevenir o cobrar las copias (mientras otros dedican la energía correspondiente ideando maneras de soslayar tales métodos) que en desarrollar una tecnología que podría beneficiar potencialmente a todos (...).
El capitalismo se basa en la producción de mercancías (producción de bienes para conseguir beneficios) y el trabajo asalariado (la propia fuerza del trabajo se compra y se vende como una mercancía). Como apuntaba Marx, hay menos diferencia entre el trabajador esclavo y el “libre” de lo que parece. Los esclavos, aunque no parecen percibir nada a cambio, son provistos de los medios de su supervivencia y reproducción, por los que los trabajadores (que se convierten en esclavos temporales en sus horas de trabajo) están obligados a pagar la mayor parte de su salario. El que algunos trabajos sean menos desagradables que otros, y que los trabajadores tengan el derecho nominal a cambiar de trabajo, emprender su propio comercio, comprar stocks o ganar a la lotería, encubren el hecho de que la inmensa mayoría de la gente está colectivamente esclavizada.
¿Cómo hemos llegado a esta absurda situación? Si retrocedemos lo suficiente, encontramos que en algún momento la gente fue desposeída por la fuerza: expulsada de la tierra y además privada de los medios para producir los bienes necesarios para la vida. (Los famosos capítulos sobre la “acumulación primitiva” de El Capital describen vívidamente este proceso en Inglaterra.) En la medida en que la gente acepta esta desposesión como legítima, están obligados a un trato desigual con los “propietarios” (los que les han robado, o quienes han conseguido después títulos de “propiedad” de los ladrones originales) en el que intercambian su trabajo por una fracción de lo que realmente producen, siendo retenida la plusvalía por los propietarios. Esta plusvalía (capital) puede entonces reinvertirse para generar continuamente mayores plusvalías de la misma forma.
A efectos de distribución, una fuente pública de agua potable es un ejemplo simple de verdadero comunismo (accesibilidad ilimitada). Una biblioteca pública es un ejemplo de verdadero socialismo (accesibilidad libre pero regulada).
En una sociedad racional, la accesibilidad debería depender de la abundancia. Durante una sequía, el agua debe ser racionada. A la inversa, una vez que las bibliotecas estuviesen enteramente puestas on-line podrían llegar a ser totalmente comunistas: todos podrían tener acceso libre al instante a cualquier número de textos sin necesidad de fichar ni devolverlos, de seguridad contra ladrones, etc.
Pero esta relación racional está impedida por la persistencia de los intereses económicos separados. Por tomar el último ejemplo, pronto será técnicamente posible crear una “biblioteca” mundial en la que todos los libros escritos, todas las películas realizadas y todas las interpretaciones musicales grabadas podrían ponerse on-line, potencialmente accesibles a cualquiera, para recibir libremente y obtener copias (sin necesidad ya de tiendas, comercios, propaganda, empaquetado, transporte, etc.). Pero como esto eliminaría los beneficios actuales en la publicación, grabación y comercio de películas, se invierte mucha más energía confeccionando complicados métodos para prevenir o cobrar las copias (mientras otros dedican la energía correspondiente ideando maneras de soslayar tales métodos) que en desarrollar una tecnología que podría beneficiar potencialmente a todos (...).
Fragmento de El placer de la revolución ("The Joy of Revolution") de Ken Knabb
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Amigos míos: quiero que consideren la relación entre el arte y el comercio, usando esta última palabra para indicar lo que general-mente significa, es decir, ese sistema de competencia en el mercado que en verdad es la única forma que hoy día la mayoría de la gente supone que puede adoptar el comercio.
Pues mientras ha habido épocas en la historia del mundo en que el arte mantenía una supremacía sobre el comercio, en que el arte era mucho y el comercio--tal como entendemos la palabra--poco, así ahora, por el contrario, todos han de admitir que, supongo, el comercio ha adquirido gran importancia y el arte muy poca.
Afirmo que en general esto se admitirá, mas distinta gente tendrá distintas opiniones no sólo sobre si esto es bueno o malo, sino incluso sobre lo que implica el que digamos que el comercio ha adquirido gran importancia y que el arte se ha hundido para convertirse en una cuestión sin-importancia.
Permítanme que les dé mi opinión acerca de lo que significa, lo cual me llevará a pedirles que consideren qué remedios deberían aplicarse para curar los males que existen en las relaciones entre el arte y el comercio.
Si les hablo con franqueza, me parece que la supremacía del comercio (tal como entendemos la palabra) es un mal y bastante grave; debe-ría llamarlo un mal puro, si no fuera por la extraña continuidad de la vida que fluye por todos los hechos históricos y mediante la cual los males de tal o cual período tienden a anularse por sí mismos.
Pues, en mi opinión, esto es lo que significa: que el mundo de la civilización moderna, en su prisa por obtener una prosperidad material desigualmente repartida, ha suprimido por completo el arte popular o, en otras palabras, que la mayoría de la gente no participa del arte, el cual--tal como están ahora las cosas--ha de conservarse en manos de unos cuantos ricos o de gente bien, que podríamos decir que lo necesitan menos y no más que los sufridos trabajadores.
Pero no es ese todo el mal ni el peor, pues la causa de este hambre de arte es que, mientras en todo el mundo civilizado la gente trabaja tan denodadamente como lo ha hecho siempre, ha perdido--al perder un arte que se hacía por y para el pueblo--el solaz natural de ese trabajo, un solaz que una vez tuvo y que debería tener siempre: la oportunidad de expresar sus propios pensamientos a sus semejantes mediante dicho trabajo, mediante ese trabajo diario que la naturaleza o el hábito prolongado (una segunda naturaleza) le exige de hecho, pero sin que ello implique que deba ser una carga repugnante y sin recompensa.
Mas debido a una ceguera extraña, a un error de la civilización en los últimos tiempos, el trabajo del mundo, casi todo él--el trabajo que de haberse compartido habría sido el útil compañero de todos los hombres--se ha convertido en una carga tal que todos los hombres, si pudieran, se librarían de él. He dicho que la gente trabaja no menos denodadamente de lo que antes lo hacía, mas debería haber dicho que trabaja más denodadamente.
Las maravillosas máquinas que en manos de hombres justos y previsores habrían sido usadas para reducir el trabajo repugnante y para proporcionar placer (o, en otras palabras, aumentar la vida) a la raza humana se han usado, por el contrario, de forma que han llevado a todos los hombres a una precipitación y una prisa frenéticas, destrozando de esa forma el placer, es decir, la vida, en todos lados; en vez de aliviar la tarea de los trabajadores, la han incrementado y de ese modo han añadido más cansancio aún al peso que los pobres tienen que sobrellevar.
No se puede alegar por parte del sistema de la civilización moderna que sus meros beneficios materiales o corporales compensan la pérdida de placer que le ha causado al mundo, pues, como antes dejé entrever, esos beneficios se han repartido de una forma tan injusta que el contraste entre ricos y pobres se ha incrementado terrible-mente, de modo que en todos los países civilizados--pero sobre todo en Inglaterra--se exhibe el terrible espectáculo de dos pueblos que viven en calles y en puertas contiguas, pueblos de la misma sangre, la misma lengua y (al menos nominalmente) las mismas leyes, mas uno es civilizado y el otro incivilizado.
Todo esto, afirmo, es resultado del sistema que ha pisoteado al arte y ha ensalzado al comercio como a una religión sagrada e incluso parece dispuesto--con esa estupidez horrible que constituye su principal característica--a mofarse del autor satírico romano al invertir el sentido de su noble consejo y pedirnos a todos que «en atención a la vida destruyamos las razones para vivir.»
Y ahora, frente a esta tiranía estúpida, planteo una reivindicación en nombre del trabajo esclavizado por el comercio que sé que nadie en sus cabales podrá negar resulta razonable, aunque de llevarse a la práctica supondría un cambio tal que derrotaría al comercio, es decir, impondría la asociación en vez de la competición, el orden social en vez de la anarquía individualista.
Con todo, he tenido en cuenta esta reivindicación a la luz de la historia y de mi propia conciencia y al así hacerlo me parece una reivindicación de lo más justa y resistirse a ella no implica sino negar la esperanza de-la civilización.
Esta es entonces la reivindicación: Es justo y necesario que todos los hombres realicen un trabajo que merezca la pena y que en sí mismo resulte agradable de hacer y que se realice en unas condiciones tales que no lo hagan ni agotador en exceso ni angustioso en exceso.
Por mucho que piense en esta reivindicación, por más que me la plantee, no me llega a parecer que resulte una reivindicación exorbitante; mas de nuevo afirmo que si la sociedad la admitiera o pudiera hacerlo, cambiaría la faz del mundo, se pondría fin al descontento, la lucha y la falta de honradez. ¡Sentir que estábamos haciendo un trabajo que a otros les resulte útil y a nosotros agradable y que dicho trabajo y su recompensa debida no se nos podían acabar! ¿Qué grave daño podía ocurrirnos entonces? Y el precio a pagar por hacer el mundo feliz de esa manera es la revolución: socialismo en vez de laissez-faire.
¿Cómo podemos los de clase media ayudar a que acontezca tal realidad, una realidad que en la medida de lo posible sea la opuesta a la realidad actual?
La opuesta, nada menos que eso. Pues en primer lugar, el trabajo debe merecer la pena: ¡Piensen qué cambio implicaría esto en el mundo! Les digo que me aturde pensar en lo ingente que resulta el trabajo que se realiza para hacer cosas inútiles (...).
William Morris. "Art and Socialism." 1884. "Arte y Socialismo." (Frangemento de Conferencia) Traducción por Juan Ignacio Guijarro González.
Texto entero aqui
Pues mientras ha habido épocas en la historia del mundo en que el arte mantenía una supremacía sobre el comercio, en que el arte era mucho y el comercio--tal como entendemos la palabra--poco, así ahora, por el contrario, todos han de admitir que, supongo, el comercio ha adquirido gran importancia y el arte muy poca.
Afirmo que en general esto se admitirá, mas distinta gente tendrá distintas opiniones no sólo sobre si esto es bueno o malo, sino incluso sobre lo que implica el que digamos que el comercio ha adquirido gran importancia y que el arte se ha hundido para convertirse en una cuestión sin-importancia.
Permítanme que les dé mi opinión acerca de lo que significa, lo cual me llevará a pedirles que consideren qué remedios deberían aplicarse para curar los males que existen en las relaciones entre el arte y el comercio.
Si les hablo con franqueza, me parece que la supremacía del comercio (tal como entendemos la palabra) es un mal y bastante grave; debe-ría llamarlo un mal puro, si no fuera por la extraña continuidad de la vida que fluye por todos los hechos históricos y mediante la cual los males de tal o cual período tienden a anularse por sí mismos.
Pues, en mi opinión, esto es lo que significa: que el mundo de la civilización moderna, en su prisa por obtener una prosperidad material desigualmente repartida, ha suprimido por completo el arte popular o, en otras palabras, que la mayoría de la gente no participa del arte, el cual--tal como están ahora las cosas--ha de conservarse en manos de unos cuantos ricos o de gente bien, que podríamos decir que lo necesitan menos y no más que los sufridos trabajadores.
Pero no es ese todo el mal ni el peor, pues la causa de este hambre de arte es que, mientras en todo el mundo civilizado la gente trabaja tan denodadamente como lo ha hecho siempre, ha perdido--al perder un arte que se hacía por y para el pueblo--el solaz natural de ese trabajo, un solaz que una vez tuvo y que debería tener siempre: la oportunidad de expresar sus propios pensamientos a sus semejantes mediante dicho trabajo, mediante ese trabajo diario que la naturaleza o el hábito prolongado (una segunda naturaleza) le exige de hecho, pero sin que ello implique que deba ser una carga repugnante y sin recompensa.
Mas debido a una ceguera extraña, a un error de la civilización en los últimos tiempos, el trabajo del mundo, casi todo él--el trabajo que de haberse compartido habría sido el útil compañero de todos los hombres--se ha convertido en una carga tal que todos los hombres, si pudieran, se librarían de él. He dicho que la gente trabaja no menos denodadamente de lo que antes lo hacía, mas debería haber dicho que trabaja más denodadamente.
Las maravillosas máquinas que en manos de hombres justos y previsores habrían sido usadas para reducir el trabajo repugnante y para proporcionar placer (o, en otras palabras, aumentar la vida) a la raza humana se han usado, por el contrario, de forma que han llevado a todos los hombres a una precipitación y una prisa frenéticas, destrozando de esa forma el placer, es decir, la vida, en todos lados; en vez de aliviar la tarea de los trabajadores, la han incrementado y de ese modo han añadido más cansancio aún al peso que los pobres tienen que sobrellevar.
No se puede alegar por parte del sistema de la civilización moderna que sus meros beneficios materiales o corporales compensan la pérdida de placer que le ha causado al mundo, pues, como antes dejé entrever, esos beneficios se han repartido de una forma tan injusta que el contraste entre ricos y pobres se ha incrementado terrible-mente, de modo que en todos los países civilizados--pero sobre todo en Inglaterra--se exhibe el terrible espectáculo de dos pueblos que viven en calles y en puertas contiguas, pueblos de la misma sangre, la misma lengua y (al menos nominalmente) las mismas leyes, mas uno es civilizado y el otro incivilizado.
Todo esto, afirmo, es resultado del sistema que ha pisoteado al arte y ha ensalzado al comercio como a una religión sagrada e incluso parece dispuesto--con esa estupidez horrible que constituye su principal característica--a mofarse del autor satírico romano al invertir el sentido de su noble consejo y pedirnos a todos que «en atención a la vida destruyamos las razones para vivir.»
Y ahora, frente a esta tiranía estúpida, planteo una reivindicación en nombre del trabajo esclavizado por el comercio que sé que nadie en sus cabales podrá negar resulta razonable, aunque de llevarse a la práctica supondría un cambio tal que derrotaría al comercio, es decir, impondría la asociación en vez de la competición, el orden social en vez de la anarquía individualista.
Con todo, he tenido en cuenta esta reivindicación a la luz de la historia y de mi propia conciencia y al así hacerlo me parece una reivindicación de lo más justa y resistirse a ella no implica sino negar la esperanza de-la civilización.
Esta es entonces la reivindicación: Es justo y necesario que todos los hombres realicen un trabajo que merezca la pena y que en sí mismo resulte agradable de hacer y que se realice en unas condiciones tales que no lo hagan ni agotador en exceso ni angustioso en exceso.
Por mucho que piense en esta reivindicación, por más que me la plantee, no me llega a parecer que resulte una reivindicación exorbitante; mas de nuevo afirmo que si la sociedad la admitiera o pudiera hacerlo, cambiaría la faz del mundo, se pondría fin al descontento, la lucha y la falta de honradez. ¡Sentir que estábamos haciendo un trabajo que a otros les resulte útil y a nosotros agradable y que dicho trabajo y su recompensa debida no se nos podían acabar! ¿Qué grave daño podía ocurrirnos entonces? Y el precio a pagar por hacer el mundo feliz de esa manera es la revolución: socialismo en vez de laissez-faire.
¿Cómo podemos los de clase media ayudar a que acontezca tal realidad, una realidad que en la medida de lo posible sea la opuesta a la realidad actual?
La opuesta, nada menos que eso. Pues en primer lugar, el trabajo debe merecer la pena: ¡Piensen qué cambio implicaría esto en el mundo! Les digo que me aturde pensar en lo ingente que resulta el trabajo que se realiza para hacer cosas inútiles (...).
William Morris. "Art and Socialism." 1884. "Arte y Socialismo." (Frangemento de Conferencia) Traducción por Juan Ignacio Guijarro González.
Texto entero aqui
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Tercos :: 00:41
Esto no se trata de una lista o ranking de “mejores discos de la década” dentro de esta categoría (tan arbitraria como cualquier otra), sino que simplemente una lista de discos con los que el destino me cruzó.
Angels of Light-Everythings is Good/Please come home (2003)
Cuando Michael Gira decidió darle final a los aplastantes Swans luego de 15 años de carrera armó el proyecto Angels of Light con la intención de hacer canciones mas despojadas instrumentalmente, que en lo posible se mantuviesen lo más cercano posible al formato de guitarra criolla y cantante. Luego de dos discos en este plan, para Everything is Good/Please come home decidió hacer un cambio. Las canciones seguían siendo compuestas en ese formato de cantante folk, pero esta vez decidió trabajarlas mas, agregándoles diversos instrumentos por capas, dejando que la propia canción (en un ejercicio de inspiración e instinto) dictase lo que necesitaba. El método se puede notar en el resultado final en el hecho de que generalmente las canciones parten de la base de guitarra y voz, y mientras avanzan se va generando un increcendo en el que se van sumando instrumentos y otros elementos.
Para eso terminó trabajando con mas de 20 músicos, que incluyen a los fantásticos Brying Dahl, Jim Foetus, Kid Cong Powers y también a ese ser de voz insoportable llamado Devendra Banhart (que la verdad no sé en que parte del disco esta). La instrumentación que acompaña a las canciones es variada. Incluye, además de guitarra acústica y la formación clásica del rock (bajo, guitarra, batería), banjo, mandolina, guitarra steel, marimbas, vibráfonos, acordeón, flautas, sintetizadores, drones, coro de niños, acordeón, violín, piano, trompeta, trombón, pi pi pi, pa pa pa, en fin, mucha cosa. Muchas opciones. Esto ayuda en el ejercicio de estilo del disco en donde se toma varios elementos, arreglos, ideas de varios géneros y estilos, generalmente de música folklórica Norteamérica. Everythings is Good/Please come home es un disco refinado hecho con tanto amor, cuidado y cariño por la música que parece salido de otra época.
Se habla bastante de lo opuesto que puede resultar la tranquilidad country- folk de Angels of Light con la brutalidad sónica de los Swans, pero en realidad ya en los últimos discos de Swans se se insinuaba este paso. Quizás la diferencia esta en que Gira no orienta el trabajo hacia el impresionismo/impacto sónico como lo hacia en los Swans y sino que aquí el arsenal de recursos sonoros se orienta a privilegiar la canción y hacerle sacar lo mejor de sí misma. Hay densas capas de instrumentos y sonidos, pero no basadas en guitarras eléctricas o distorsión. En Rose of Los Angeles por ejemplo se trata de flautas, violines y pianos (y otras cosas que no puedo determinar que son), en la bellísima Sunset Park son varias capas de voces que se van sumando al repetitivo she brings some, she brings one que canta Gira y en la brillante Wedding es siniestro coro de niños que aparece y desaparece. En los Swans la brutalidad sonora, lírica y conceptual venia como mazacote directo en el estomago (aunque repito que esto no es tan así en los últimos discos de la banda) aquí sigue habiendo atrocidades varias pero expuestas de una manera mas sutil (Nations o The Family God son buenos ejemplos de eso).
Si bien el clima del disco es mas bien oscuro (Do you see how they ruin your mind?/Do you see how they wasted your life?) este no necesariamente pesimista o derrotista. Hay una bella palabra es recurrente en el disco y que se puede considerar como su concepto central: Rise. All Souls Rising suena como la fuckin resurrección de los muertos y tiene una arrolladora energía que la vuelve –justamente- revitalizadora que (con esos coros de gruñidos-gritos y esos órganos chirriantes que se van volviendo más caóticos mientas avanza la canción, diosss, que buenooo). Como digo siempre: la búsqueda de le belleza nunca es algo negativo y cuando llega a resultados tan hermosos como Kosinski o The Family God se vuelve conmovedora por mas que se maneje un material de base bastante oscuro.
En definitiva, el disco que se acerca mucho a la música tradicional norteamericana (folk, blues y country) pero con un tratamiento libre (¿decontruccion?) que lo acerca a los resultados de Birthday Party o los primeros Bad Seeds, Einsturzende Neubauten haciendo blues o Crime & the City Solution. Por ahí va la mano, aunque en un estado general mas bien “inquietatemente tranquilo” y no tan furiosamente noise.
David Thomas & Two Pale Boys-18 Monkeys on a dead man`s chest (2004)
Es difícil catalogar la obra de David Thomas (que además de los grandiosos Pere Ubu que arma y desarma cuando le da la gana ha tenido diversos proyectos semi solistas: David Thomas & the Pedestrians, David Thomas & His Legs y estos Two Pale Boys). Si uno dice que Pere Ubu es vanguardia y que su música es arriesgada, él saldrá diciendo que Pere Ubu es simplemente una banda de rock n roll (“los herederos legítimos de Elvis Presley”). La prensa mas mainstream lo suele asociar a la cultura punk (The Modern Dance suele estar nombrado en esas listas de “discos punks fundamentales” y cosas así) pero el no ha parado de hablar pestes del punk (pestes bien fundamentadas) marcando distancia con él. Supongo que como muchos músicos que hicieron sus primeros pinitos escribiendo sobre música, Thomas lo hace un poco a propósito. Le gusta complicarle la cosa a los periodistas. Sabe que es su trabajo el de clasificar las cosas y no de él.
Quizás la mejor manera de entender su obra es pensando que es producto de un tiempo y un enclave geográfico particular que fue la escena de Cleveland en los 70s. Esa decadente ciudad industrial, aparentemente aburridísima, en donde un cocktel explosivo de fascinación adolescente con la invasión británica de los 60s, la influencia de la vecina Detroit (y de los Stooges en particular), discos de Captain Beefheart y free jazz circulando libremente y el germen dejado por The Velvet Underground (Cleveland fue una de las pocas ciudades fuera de New York donde el EPI se presentó), afectó sensiblemente a un montón de jóvenes que vieron en el rock la mejor manera para aprovechar sus vidas[1]. Mirrors, Electric Eels, Styrennes, Rocket from the Tombs, Waitresses, en fin, ese lugar era un criadero de terroristas sonoros. Thomas siempre ha hecho énfasis en esto, declarando que lo Pere Ubu hace es música folk, es decir, música propia de un lugar y tiempo determinado. Si bien la escena ha sido repetidamente revalorizada póstumamente y muchos de sus participes fueron actores fundamentales en la posterior escena punk neoyorquina, la mayoría de ellos (menos la parte más reaccionaria y deseosa de atención de la escena: Dead Boys, Pagans) tuvieron muy claro desde el primer que no iban a ser músicos masivos. Algo que -además de ser una actitud rara para la época- al ser aceptado desde el comienzo sirvió de experiencia liberadora: partiendo de la base de que no iban a gustarle a mucha gente podían tranquilamente hacer lo que quisiesen sin preocuparse demasiado.
“Hacer siempre lo que se le canta el orto” es quizás entonces la mejor manera de definir la carrera de este talentosisimo y enorme ser humano, tan gordo como elegante, retorcido showman de intencional vos molesta y activista ideológico contra todo lo que en que se termino convirtiéndo la cultura rock (culto a la personalidad, conservadurismo general, preponderancia de la pose sobre la esencia, etc) que ha construido una carrera difícil de igualar, en la que acumula discos maravillosos e innovadores y que nunca perdió tiempo con las modas.
Obra que lejos esta de detenerse o agotarse. Two Pale Boys existen hace como 10 años y han sacado tres discos (este es el precisamente el tercero). Es un trío formado junto al trompetista Andy Diagram (antiguo miembro de los mancunianos James y actualmente en los Spaceheads, entre varias cosas) y el guitarrista Keith Moliné (que también mete sintes mezclados con la guitarra, ya que tiene una guitarra medio particular que no se como explicar porque en realidad no la entiendo, pero combina las dos cosas y es miembro de They came from the stars i saw, además ser parte de la formación actual de Pere Ubu y escribir para The Wire).
Es aquí donde me detengo, ya que al tratar de verbalizar o explicar la música del disco me siento como un roedor tratando de explicar lo que ve en la Capilla Sixtina. Muchas veces, con música tan increíble como la de este disco me cuesta escribir algo, ya que los elementos claves de mismo me son misteriosos e inexplicables. La música es pura magia y no tiene explicación por lo que es mejor dejarlo por ahí.
Apenas puedo balbucear como un Neardental algunas cosas pero nada más. Si estaban prestando atención se habrán dado cuenta que en la formación no hay batería, casi todas las canciones del disco son extrañísimas, elípticas y deformes baladas (Numbers man es el único numero roquero del disco). Es decir, baladas con el sello Thomas. Thomas concibe a Pere Ubu como una banda de rock, por lo que lo importante es la avalancha sónica, mientras que aquí la principal diferencia es que el trabajo se encuentra principalmente basado en la voz del gordo. Las canciones flotan en una especie de aura sonora que arropa el trabajo vocal y lírico de Thomas (llena de imágenes tan surrealistas como confesionales). Hay muchas guitarras que se entrecruzan y retuercen, trompetazos que a veces son perversamente dulces y otras veces cortan tajantemente el aliento sumando a particulares sonidos electrónicos. Hay una especial preocupación en la producción de sonido y en que los instrumentos suenen de otra manera a la que deberían o suelen sonar, es decir, el sonido de las trompetas o guitarras esta casi siempre deformado.
Pero esto repito, son solo balbuceos. Ante la misteriosa perfección de la obra (es difícil destacar un solo tema) solo puedo aspirar a esto. La verdad que no tengo idea como lo hace, pero lo hace. Siempre lo hace. ¿Cómo escribir sobre algo como Nebraska alcohol abuse?. ¿Cómo explicar la sensación que provocan esos cortantes golpes de cuerdas que marcan la canción?. Una canción tan tortuosamente emocionante (épica!), con tantos detalles, giros increíbles, ideas impactantes, emocionantes variantes, frases geniales. Imposibol. No no. Renuncio. Mejor escúchenlo.
Soft Cell-Cruelty without beauty (2002)
En 1984, luego de tres discos (cuatro si contamos el disco de remixes Non-Stop Ecstatic Dancing) la primera parte de la carrera de Soft Cell había finalizado. El dúo de Marc Almond y Dave Ball, que habían comenzado como un proyecto puramente underground y que habían logrado un contrato con un sello major gracias al éxito en las discotecas del simple Memorabilia, se terminaron convirtiendo -rápida e inesperadamente- en superestrellas pop gracias a una retorcida versión de un viejo clásico soul (Taited love). Posición incomoda y extraña para un grupo que estaba mucho más cerca de Suicide y la escena industrial inglesa que de Erasure o la portada de Smash Hits. Es por eso que su carrera después del éxito inicial (media docena de singles en él Top 5 británico) se vio condicionada por el conflicto entre las expectativas de los deseos del sello y él publico masivo con sus propios deseos y necesidades como artistas. Una serie de escándalos se sucedieron en esas épocas: Almond es detenido en Londres por supuestamente beber semen en el escenario, se prohíbe la difusión del video de sex dwarf (una orgía con enanos, negros, travestis, gordas, canibalismo y todos lo chiches), se niegan a interpretar tainted love en vivo, padres escandalizados protestan por la explícitamente sexual puesta en escena de la banda cuando se presenta en televisión, escándalos en hoteles, restaurantes y aerolíneas, etc. Este particular periodo se vio reflejado en que los discos que sucedieron al fantástico debut (Non Stop Erotic Cabaret) The Art of Falling Apart y This Last Night in Sodom. Discos tan irregulares, confusos, oscuros, sorprendentes y por momentos brillantes que profundizaron en los aspectos más sórdidos y extremos de la banda.
Si bien ya había colaborado en proyectos puntuales (la separación se debió probablemente a la necesidad de salir de una situación asfixiante y no porque se llevasen mal) pasaron 18 años para que Soft Cell se juntase para trabajar en un nuevo disco y en una consecuente gira reunión. En Cruelty without beauty lo primero que sale a la luz es como los dos han crecido en los años que se mantuvieron separados. Ambos se habían mantenido intensamente activos: Marc Almond tuvo una variadísima carrera solista en la que trabajo con gente como Coil, Psychic TV, Jimmy Sommerville, David Johnasen, John Cale, Lydia Lunch, Jim Foetus, Nico, Nick Cave o Current 93 (que lista eh, no cualquiera ) y en donde no le queda prácticamente genero musical con el que experimentar (flamenco, soul, disco, house, canción rusa, techno pop, chanson francesa, vaudevil, música experimental, etc). Por su lado Dave Ball formo el proyecto The Grind junto al ex Psychic TV Richard Norris, además de producir a varios artistas. Su lista de gente con la que colaboro también tiene chapa: Genesis P-Orridge (en la banda sonora de Decoder), Gavin Friday, Brian Eno, Happy Mondays, David Sylvian, Kylie Minogue, Robert Fripp, Phil Manzanera y Dagmar Kause (Faust), entre otros.
Siempre hago recordar el hecho de que Almond y Bell se conocieron cuando se estudiaban en la escuela de arte de Leeds y se les encomendó hacer la música de puestas teatrales (aunque terminaron haciendo instalaciones sonoras experimentales). Siempre lo recuerdo porque sus canciones siempre me hacen acordar a canciones de un musical, es decir, canciones que retratan momentos claves de una narración más larga.
Cruelty without beauty parece arrancar en donde dejaron con su anterior disco; en un mood mas bien oscuro y un clima confuso. Pero tiene un tratamiento más pop, por lo que el desconcierto y el caos en vez de transmitirse de forma poco clara, se transmite de manera más directa, por lo que el mensaje llega de manera mas precisa.
Almond, además de ser un GRAN cantante (que aquí ya directamente a tomado un estilo mas de crooner y no tan punkie como en el primer Soft Cell) demostró siempre ser un gran letrista y en este disco tiene grandes momentos en ese campo (voy a atomizar con letras de acá en adelante. singalong.). El trabajo de David Pelota parece ser funcional a las letras. Es decir -nada mas, ni nada menos- que el de adornar y acompañar las canciones de Almond, tratando de extraer de ellas su mayor potencial. Si seguimos con la metáfora teatral, Almond seria el autor del texto y Ball el encargado de la puesta en escena. Si a alguien el trabajo de Ball le parece medio pobre, habría que recordar que en los trabajos solistas de Almond en que intento un acompañamiento techno, rara vez encontró un socio tan perfecto.
Decía que los temas del disco son mas bien oscuros y si alguien piensa a Soft Cell como una banda fiestera acá se va a decepcionar. Es muy difícil que alguien en la pista de baile quiere escuchar cosas como las que se cantan aquí. Una escucha superficial del disco diría por ejemplo que Sensation Nation es el tema mas “para arriba” del mismo, pero su letra rebela algo de fatalismo, desencanto y amargura.
Have you got all that you ever wanted?
Or is there still something missing?
Is that why you're always reminiscing
It's all so deliciously wicked
This decadent life we're leading
It's all before your high has faded
Here's a mantra for the jaded
So take me higher
For a quick fix of desire
We're happy shiny people
With nasty little thoughts
El tema general del disco parece ser la llamada “crisis de la mediana edad” que Almond maneja haciendo un arriesgado strip tease emocional.
Another day melts into the evening
I sit alone and watch the stars
Remembering times
I think of the past
Here in my isolation
In the solitary situation
Reality hurts
Where memories last
(Together Alone)
I'm all out of love
There's never enough
I'm all out of love
I'm all out of love
Have I given too much
I'm all out of love
So many doubts
So many fears
All those demons that rise
With the years
Love came calling
But the cupboard was bare
I try to find my heart
But it wasn't there
Am I a spent force?
Used up?
Washed up?
Left out to dry?
Is it the same for everybody
Doctor can you tell me why?
I'm all out of love
There's never enough
I'm all out of love
I'm all out of love
Have I given too much
I'm all out of love
(All out of love)
Este particular estado emocional, es también retratado en canciones que narran historias de desamores y romances patéticos, algo en lo Almond es especialista.
I've wasted too many chances
On small ads and Internet romances
So come home with me
Won't you come home with me?
This is our last chance for love
I toyed with a cigarette
Trying to look aloof and sexy
But I couldn't see for the smoke
In my eyes
OK, I have a shaky limp and
Dress a little like a pimp but
After your drink I'll still look OK
In a good light
Come home with me
Won't you come home with me?
This is our last chance
For romance
Our last chance
(Last Chance)
Otro acierto del disco como Almond combina hábilmente estos temas de carácter personal, con temas de carácter mas general y social, haciendo una correspondencia entre ese estado intimo ubicándolo en un contexto general de decadencia cultural y clima pre apocalíptico
Why don't I just give up?
And do myself a favour?
My life is slowly turning grey
And losing all its flavour
Everything the same
Again and again and again
Everything the same
Again and again and again
The world has gone insane
Everything that's old
Is new again
Monoculture
Mediocre
The same
Ordinary
Boring
Mediocre
The same
Ordinary
Boring
Monoculture
(Monoculture)
Ese clima nihilista y negro sobre el estado general de la sociedad también parte central de la temática del disco.
I'll display you in my game show
On TV
Called 'Humiliation
And Hypocrisy'
Throw an orgy for the dissolute
And the damned
Every kind of deviation
On demand
So worship me
And fall down on your knees
Or I'll unleash another
Chemical disease
Is this what true power feels like?
Racing round my veins
Like a motorbike
It's the fall of Rome
My Caligula syndrome
While our city is burning
Won't you dance with me
While our empire is falling
Like Nero let's make music to the
Fires of Rome
Pese a la negrura y desesperanza general, Almond no quiere ser un bajón, y en los temas de cierre (on a up) y apertura (darker times) del disco mete un mensaje un poco más optimista.
We gotta keep dancing
Through the years
We gotta keep smiling
Through our tears
Nobody knows where we go from here
In these darker times
(Darker Times)
La única canción que escapa de estos temas es The Night, que narra una de esas relaciones amorosas conflictivas, que si bien son normales y uno puede identificarse con ellas, contadas como lo hace Almond (es decir, dándoles distanciamiento) se vuelven perversas y enfermizas. Esta fue la canción elegida para promocionar el disco y apenas araño el puesto numero 39 del ranking inglés. Lo curioso es que se trata de una canción vieja, que iba a ir en el primer disco de la banda, hasta que a ultimo momento la sustituyeron por Tainted Love. Si bien no fue un gran éxito de ventas, el disco recibió elogiosas criticas y le gusto a los fans de la banda, que volvieron exitosa la gira reunión.
David Sylvian/Blemish(2003)/Nine Horses-Snow borne sorrow (2005)
David Sylvian es un caso particular en el mundo de la música pop. En su carrera como cantante Japan pasaron a ser un episodio tardío del glam rock inglés (que para su demorado disco debut ya habían incorporado elementos de música negra norteamericana -soul, funk- que es por donde andaban Bowie, Bolan y Roxy Music en esa época) a asentar (probablemente sin quererlo) las bases estéticas de lo que luego seria el new romantic (Duran Duran le debe todo a Japan) para en sus últimos años adentrarse en terrenos mas alejados del pop, buscando a través de la experimentación, cierta conexión entre el ambient electrónico y la canción tradicional, mechando detalles de música y filosofía oriental.
Si bien en toda su carrera con Japan había demostrado bastante atracción por no tomar caminos obvios y experimentar, en su carrera solista se aboco totalmente por este camino, alejándose totalmente del formato pop y el mainstream, lo que le provoco no pocos problemas en su carrera. Además de colaborar en varios proyectos con músicos como Ryuichi Sakamoto, Holger Czukay, John Hassell, Marc Ribot, Bill Frisell o Robert Fripp (que llegó ofrecerle ser la voz en una de las reuniones de King Crimson) Sylvian estuvo involucrado en música de puestas teatrales e instalaciones sonoras.
Este alejamiento deliberado y progresivo del mainstream y de las ambiciones de masividad de un pop star le trajo varios inconvenientes en el relacionamiento con Virgin Records, el sello que lo había apoyado toda su carrera. Además de ser reacio a hacer grandes giras promocionales, dos hechos puntuales marcaron el deterioro final de ese relacionamiento. Cuando a finales de los 80s Virgin decidió sacar una caja recopilando la carrera solista de Sylvian la compañía le pidió si podía hacer una canción “un poco más pop” que ayudase a promocionar el emprendimiento. Sylvian les entrego una composición llamada “pop song”, que fue una manera elegante de escupirles la cara.
Gracias a un antiguo fan en Virgin, la compañía siguió apoyando su carrera, pero esta condescendiente paciencia llego a un limite poco tiempo después cuando Sylvian empezó a trabajar en un nuevo disco con sus antiguos compañeros de Japan. Aquí el problema fue que la compañía y sus antiguos compañeros querían que el disco se promocionase como un nuevo disco de Japan, mientras que Sylvian -que quería evitar a toda costa que el proyecto se viese como una reunión nostálgica- quería que el proyecto saliese bajo el nombre Rain tree cow. El asunto terminó mal, ya que si bien el proyecto salió con el nombre que Sylvian quería, los altos costes de la producción del disco y la negativa a que saliese bajo el nombre de Japan hicieron que Virgin se desinteresara por su trabajo y tuvo que pagarse de su bolsillo los costes del disco. Para colmo los métodos de trabajo de Sylvian hicieron que se pelease definitivamente con sus ex compañeros de banda.
Luego de eso la carrera de Sylvian estuvo marcada por cierta relativa inactividad, una mudanza de ambiente, divorcio, nuevo matrimonio y paternidad. Pero la circulación libre de información a través de internet, gracias a la cual los fans influyen en corrientes de opinión (esa ventaja que tienen hoy los artistas de culto) revitalizaron su carrera y ahora Sylvian edita sus trabajos bajo su propio sello, Samadhi Sounds.
Blemish, fue el primer disco que salió por ahi. En origen, Sylvian lo empezó a trabajar en él solo, como forma de escape de un proceso composición de un disco con otros músicos que no estaba funcionando. Solo con una guitarra y su pc grabo el núcleo original del disco, que fue completado con el fundamental aporte de los guitarristas experimentales Christian Fennesz y Derek Bailey. Su aporte es clave para el resultado final del disco. Fennesz aporta un envolvente sonido atmosférico y Bailey aporta detalles con su única y poco convencional manera de tocar la guitarra, que algún despistado diría que no tiene la menor idea de lo que hace o que esta haciendo todo mal, pero la gente normal como nosotros -que sabemos lo que es la experimentación, el free jazz y la no wave- lo consideramos un maestro.
Blemish es un disco que continua el viejo interés de Sylvian por la música ambient, pero es como un disco ambient sin ser ambient, (aunque quizás digo esto porque no me gusta nada el ambient y este disco si). Es una suerte de retorsión del ambient. Es un disco climático y envuelve la habitación donde uno lo pone a sonar, pero esos detalles imprevisibles, esa tendencia a usar arreglos desafinados, sorpresivos o “mal tocados” y esa aparente predilección de dejar que los errores se cuelen en el resultado final como si fuesen grandes hallazgos, impiden que el disco sea algo que se pueda poner solo de fondo en una habitación y obligan a prestar atención y parar la oreja. Desde la primera canción se muestran las cartas: se induce a profundo clima narcótico (que no llega a ser denso y es mas bien frágil) en donde se tienden a utilizar estructuras cíclicas pero irregulares y donde pequeños detalles inesperados adornan la canción.
La producción sonora crea una sensación de algo despojado y simple, pero esta llena de pequeños gestos sonoros. Siempre se trabaja con una cantidad mínima de elementos para maximizar los resultados. Vean sino como se llega a crear, con muy pocas cosas, la sensación de un gospel en late night shopping. El clima general del disco es de intimidad. Por eso el tema del disco (además de una mirada critica a la cultura de consumo actual) que trata principalmente la disolución del primer matrimonio de Sylvian (con la artista japonesa Yuki Fujii) llega al oyente de manera directa y clara pero no violenta, ya que uno logra meterse disimuladamente en la intimidad de la vida de Sylvian y logra mágicamente estar presente en momentos de su vida familiar.
Hay tres canciones solo de guitarra criolla y voz (the good son, she is not, how little we need to be happy), algo a priori bastante convencional. Pero si alguien puede pensar que ese formato es limitado o esta agotado le recomiendo que las escuche y vea la vuelta que le encontró Sylvian para hacer con ellas algo experimental e innovador.
Hay que destacar que el disco esta muy influenciado por la obra de uno de los mayores ídolos de Sylvian, que es Scott Walker y que quizás Tilt sea el disco que más me haga acordar Blemish.
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Si en Blemish todo es despojado y simple, su siguiente proyecto, Snow borne sorrow, arranca desde el primer momento con un tratamiento mas avasallante y orquestal. Nine Horses es un proyecto, si bien liderado y emprendido por Sylvian, en que lo acompañan su hermano Steve Jansen (que era el baterista de Japan y que esta presente con él en gran parte de la carrera solista de Sylvian) y el músico electrónico alemán Burnt Friedman. Hay también muchos otros colaboradores en el proyecto, entre ellos, el trompetista noruego Arve Henriksen, la cantante sueca Stina Nordenstam y el viejo, querido y peludo Ryuichi Sakamoto en el piano.
En este disco lo que más llama la atención es que es el trabajo más convencional de Sylvian en siglos, rompiendo la línea que venia desarrollando. En muchos sentidos, puede marcar un revitalizador nuevo comienzo a su carrera. Las canciones son canciones y apenas utiliza elementos experimentales. Hace gala de una sensual voz de crooner (voz que parece haber recuperado el elemento “sexo”) que se lleva muy bien con la tendencia orquestal del disco. Se tratan mas que nada de baladas de jazz-rock modernas (que me hacen a la música que le gusta a Bobby Flores) arropadas con arreglos de diferentes procedencias. Acá me detengo para hacer un pequeño apunte personal: la carrera de Sylvian me interesa y gusta por mas que se muchas veces involucra con estilos o músicos que poco me importan (¿o se pensaron que me empezó a gustar King Crimson de golpe?). Digamos de frente y sin miedo que Snow Borne Sorrow es un disco tan AOR como el peor disco de Sting.
Las letras tratan de cierta inestabilidad emocional de creencias (crisis de fé) y algunas parecen hablar de la situación de la política internacional luego del 11/9. También Sylvian parece mirar su vida hacia atrás, haciendo un repaso desde este punto de inflexión en su carrera. Incluso hay una que parece hablar de las particularidades y dificultades (o ventajas) de hacer esa mirada atrás:
God bless amnesia
And the things I’ve suppressed
I can reframe the image
I can discard the rest
A history of holes
Where the pieces that won’t fit
With the story you told yourself
And your place in it
And I fear that it isn’t enough
So put on a brave face
Straighten that tie
And speak like you mean it
Give truth to the lie
A Sylvian le ha ido muy bien con este proyecto, tanto de criticas como de publico. Este año a lanzado un nuevo EP con Nine Horses (Money for all) y esta llevando a cabo un exitoso tour (exitoso sobretodo comparado con algunos desastrosos que había tenido antes) lo que revitalizado su carrera.
Tuxedomoon-Cabin in the Sky (2004)
Surgidos de la increible escena after punk de San Francisco, pero emigrados a principio de los 80s a Bruselas, Tuxedomoon es una banda única y personal, alejada de cualquier posibilidad de clasificación (en su web hay una definición muy graciosa: art hop trip wave minimalist romantic alternative voodoo robot chainfish music). En los 80s sacaron una serie de impresionantes discos y si bien nunca realmente se separaron, durante toda la década de los 90s permanecieron inactivos como banda, pero intensamente activos por separado. Recién para el 2004 el núcleo original de Steven Brown, Peter Principle y Blaine Reininger mas Luc Van Lieshoust (que se había sumado en su fase europea) se juntó para grabar un nuevo disco, Cabin in the Sky, que resulto un discazo, al nivel de sus mejores discos.
Su método de composición y trabajo (que ellos llaman de “colectivo anarco-sindicalista) no ha variado desde que comenzó la banda. Es simple: se juntan, improvisan libremente y graban todo lo que hacen. Luego (a veces todos, a veces por separado) escuchan lo que grabaron, seleccionan las cosas que más les gustaron, sacan ideas y ven de que manera arreglar eso para transformarlo en una composición definitiva que luego regraban. Las composiciones van tomando forma mientras se van haciendo y no se trabaja con ideas preconcebidas. Es decir, no hay un deseo a priori de llegar a algo a un resultado o concepto concreto, este se va materializando durante el proceso. Esto no explica por sí solo lo grandioso de los resultados (ya que no depende solo de los métodos para hacer grandes obras) pero quizás sí en parte la particular forma de sus resultados.
Actualmente todos los miembros de Tuxedomoon viven en diferentes partes del mundo, por lo que para poder grabar este disco tuvieron que juntarse en un punto neutral. El lugar elegido fue la pequeña ciudad de Cagli en Italia, cuyo encanto se coló en el resultado final del disco, siendo la ciudad una influencia reconocida por los miembros de la banda. Cuando uno escucha la obra tiene la sensación de estar dando un paseo nocturno por alguna ciudad europea, entrando y saliendo de lugares y ambientes. Se manejan varias voces, diferentes idiomas, varios géneros, varios estados de animo y hay largos pasajes instrumentales que recuerdan soundtracks de películas nunca filmadas. Hay inspiración tanto de músicas populares como de música de vanguardia, una decidida heterodoxia de recursos y formas, que va de la chanzoneta italiana a la experimentación con cintas, del free jazz al techno pop. Pero estas diferentes formas musicales no son copiadas y pegadas, sino que se deforman para encajar en el maravilloso universo personal de Tuxedomoon, una banda increíble capaz de tocar en museos de arte contemporáneo como en programas pedorros de la RAI y seguir siendo la misma. Es por eso que si bien la variedad de estilos es amplia, el disco tiene una fluidez casi conceptual que hace a veces dudar a uno donde es que empiezan y terminan los distintos tracks.
Quizás me arrepiento de haber dicho la palabra after punk al principio de esto, porque Tuxedomoon esta a años luz de parecerse a una banda de género y eso puede confundir. Algunos elementos “de género” se puede decir que tiene: el bajo, lejos del rol sumiso que tiene en el rock tradicional, tiene un protagonismo fundamental, hay una predilección por trabajar mas en el sonido general que en hacer demostraciones circenses de técnica instrumental y es una música decididamente nocturna y urbana (no lleven discos de Tuxedomoon a Cabo Polonio, no va a funcionar). Pero en realidad mantiene lo mejor de las mejores bandas de after punk: explorar terrenos nuevos gracias a la liberación sobre reglas que se imponian al rock gracias a consecuencia e inspiración (quizas no voluntaria) de algunos elementos del punk. Let´s just say this is the way.
La imagen de estas cuatro personas ya grandes, grabando hermosa música en una casa en una villa italiana me hace pensar que poco les debe importar ser parte de alguna moda y lo relativo de los conceptos de “éxito” o “fracaso” que dominan el mundo de la música pop. Algo en realidad tan obvio, que no debería estar aclarándolo.
Desde esta exitosa reunión Tuxedomoon no se ha vuelto a separar. En el 2006 hicieron otro disco, Bardo Hotel Soundtrack (cierto homenaje a Burroughs, Gysin y el cut-up) y para celebrar el cumpleaños numero 30 de la banda lanzaran próximamente un nuevo disco.
[1] Mike Hudson de los Pagans decía en biografía: “Todo el mundo en Cleveland estaba en una banda o casado con alguien en una banda o tenia a su hermano en una. Todo el mundo. El pibe del delivery, el policia que te ponia una multa por exceso de velocidad, hasta el Sargento que trabajaba en la oficina de reclutamiento.”
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Mi espacio (segunda parte) :: 22:08
Le Petit Terezes
Pocos datos biográficos puedo decir de esta banda nipona. Su myspace esta todo en japonés y en la web no se encuentra ningún dato extra sobre ellos. Calculo que es una banda nueva. Su música no es fácil. Es en gran parte improvisada (creo yo), con tendencias al ruido y el amateurismo técnico. Se trata generalmente veces se trata de la superposición de varias lineas/capas de ejecuciones no convencionales de algunos instrumentos si convencionales de una banda de rock, a los que se le suman ocasionalmente cintas y ruidos varios y en donde la guía parece la intuición, el juego y el error. Se trata de una búsqueda musical lejos de la canción y cerca de la libertad y la sorpresa. No es un tipo de banda rara en Japón, donde la escena experimental es grande y activa, pero el hecho de que estén dando sus primeros pasos (creo yo que están dando sus primeros pasos) es interesante porque puede llegar a ser entretenido seguir su evolución futura, algo que ahora es posible gracias a Internet y antes solo era posible si uno era vecino de las bandas en cuestión. Tienen un gran sentido del humor que se cuela mucho en sus composiciones (tenían una que a la mitad de un noise abstracto se ponían a cantar la canción de la serie de Batman que era genial). No tienen un myspace, tienen tres. En uno de ellos (tapes) suelen subir sus piezas que más se aproximan a la canción, que suelen sonar como canciones de The Shaggs hechas por DNA de ácido.
Links:
Nasca Car
Nasca Car es otra banda japonesa que existe desde hace 15 años con formaciones variables que incluyeron como integrantes a varios miembros o ex miembros de bandas como Boredoms, Spasmon, Grind Orchestra, Masonna, Acid Mother`s Temple, Melt Banana entre otras grandes luminarias de la escena japonesa. Con esto uno se puede dar idea de por donde viene la mano (el ruido hipnótico, mucha guitarra eléctrica y psicodélia extrema) aunque con un énfasis en lo electrónico-dance. Sus dinámicas canciones suenan como si los Boredoms se hubiesen lanzado por la autopista sónica de hacer música house psicodélica con un extraño costado New Wave y en velocidad hardcore.
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Con un poco dinero Camille Davila tiene camino libre y derecho hasta una popularidad más masiva. Dinero para un poco de publicidad, lobby, marketing y un productor inteligente que lo produzca un single ondero. Esta emigrada de Los Angeles a Liverpool por si sola ha logrado cierta notoriedad indie grabando sus canciones por su cuenta (se autoproduce) y gracias a su myspace, donde logró generar cierto mini-culto con la idea de la linda chica universitaria que parece tan enigmática como accesible. Todo eso obviamente gracias a que sus canciones son muy buenas. No son revolucionarias, pero son canciones que la radio necesita (esta chica no pertenece al underground). Quizás el problema es que sea demasiado normal y poco escandalosa para los tiempos que corren, pero bueno, eso quizás también puede aprovecharse como una ventaja en la promoción. Es que las canciones son realmente buenas. Es básicamente indie-pop-techno con buenas y efectivas letras. Hay bastantes buenas ideas de arreglos, estructura y producción, aunque en este ultima área quizás necesite algún tipo de ayuda de alguien que sepa mas para que le termine de sacar toda la belleza que tienen como potencial sus simples canciones, además, que le actualice algo el sonido (no estamos mas en el 97) y meta en ellas un poco de mas color y variedad para que una seguidilla de canciones que implica un LP no se convierta en algo chato.
Davilla tiene tres discos : Not for the disco, World of gliding mosters y uno nuevo que no sé como se llama.
Davilla tiene tres discos : Not for the disco, World of gliding mosters y uno nuevo que no sé como se llama.
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Mushroom`s Patience
El italiano Raffaele Cerroni (también conocido como Dither Craf) es el único miembro de Mushroom Patience que se mantiene desde el comienzo y desde hace años el único integrante oficial, secundado por varios miembros rotativos. La banda lleva una carrera de dos décadas que es poco conocida fuera de le escena post industrial europea. Actualmente en activo y con gran parte de su obra siendo reeditada su música esta siendo descubierta por nuevas generaciones. La música de la banda (que Cerroni define como “pop atonal”) tiene dos tendencias. A veces suenan como una versión europea de Tuxedomoon; es decir, elegante musica nocturna y urbana de raices after punk (que apenas se notan) de arraigo y encanto modernista, que toma elementos formales y espirituales de varios generos musicales y incluso otras disciplinas (pintura y literatura). La otra vertiente de la banda la encuentro menos interesante, y es la del dark folk, en donde Death in June han hecho cosas mejores. Suenan a noche, sótano de bar y buen vino.
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Los Negretes/Cinema Pereira
Esta es gente fina. Que bueno es descubrir música independiente de México sin tener que soportar el filtro de MTV. Los Negretes son una banda que genera empatía inmediata. Estos mexicanos (aunque con un integrante nacido en Montevideo) están en el terreno blues rockero, sucio colgado y psicodélico que remite directamente a The Velvet Underground, Bo Diddley, Jesus & Mary Chain, Spacemen 3 donde se mueven con increíble soltura, personalidad propia y talento. No están encadenados a ese estilo y sus salidas del libreto hacia terrenos más experimentales (como en Pierrot) suelen ser exitosas y disfrutables.
Uno de ellos, (precisamente el uruguayo) se hizo un myspace para poner las canciones que hace por su cuenta, en un proyecto al que le puso Cinema Pereira, donde suenan unas composiciones de espíritu mas de songwriter fino, pero con sonido y ejecución más punkie y lo fi. Atención que son muy buenas canciones (Muchacha en Parque es realmente muy muy buena).
Uno de ellos, (precisamente el uruguayo) se hizo un myspace para poner las canciones que hace por su cuenta, en un proyecto al que le puso Cinema Pereira, donde suenan unas composiciones de espíritu mas de songwriter fino, pero con sonido y ejecución más punkie y lo fi. Atención que son muy buenas canciones (Muchacha en Parque es realmente muy muy buena).
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Etiquetas: camille davilla, cinema pereira, le petir terezes, los negretes, mushroom`s patience, myspace, nasca car
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Mi espacio (primera parte) :: 20:44
Hay gente que me pregunta que he escuchado últimamente. Como no uso last fm y no llevo la cuenta a mano no me queda mas remedio que pensar. Cuando me pongo a pensar me doy cuenta de una cosa: en el rubro “que he escuchado últimamente” pero sobretodo “que he descubierto últimamente” (o “que artistas nuevos he escuchado últimamente”) los resultados rara vez son “artistas nuevos de la escena indie contemporánea”.
Generalmente de la “escena indie contemporánea” los trabajos nuevos que más me han gustado o más me han llamado la atención vienen de artistas que ya conocía o que vienen trabajando desde hace muchos años: David Sylvian (Nine Horses), David Thomas (Two Pale Boys), Alan Vega (VVV), Michel Gira (Ex Swans, ahora en Angels of Light), Tuxedomoon, Boredoms (que no dejan de sacar una maravilla tras otra), Mark E Smith (los últimos discos de The Fall siguen siendo gloriosos y el disco de Von Sunderfeld esta bueno). Incluso algunos nombres “nuevos” que me han gustado como Ghost o Richard Youngs se tratan de artistas que vienen trabajando desde la década de los 80s. Si bien por todo lo que dije en el post anterior no puedo generalizar y ser definitivo en mis afirmaciones (ya que no puedo escucharlo TODO) da le impresión que la escena indie esta envuelta en una nube de pedos, estupidez y falta de riesgo nunca vista para una cultura supuestamente con animo underground.
Esta falta de riesgo es un punto interesante. La explicación quizás sea que la escena indie esta actualmente afianzada en un colectivo internacional (que tiene raíces espirituales y materiales en los networkings del hardcore-punk) de bandas, revistas, giras, sellos, etc etc que les dio a los músicos cierta seguridad económica (la posibilidad de vivir de la música por mas anticomercial que sea) y además de ser reconocidos por su trabajo. Este ambiente cómodo, seguro y confortable hizo que en la mayoría de los casos se renunciase totalmente de la posibilidad de conquistar al publico masivo. Así la música independiente se desarrolla en una red de contactos e influencias donde todo el mundo se halaga entre sí, donde se ha perdido totalmente la capacidad de critica (y de autocrítica) y sobretodo se ha perdido algo fundamental: la ambición. En la escena indie establecida conviven grandes artistas con una gran mayoría de mequetrefes wannabe y todo a un mismo nivel. Básicamente cientos (o mas bien miles!) de bandas existen sin agregarle nada a la tradición a la que pertenecen. Siendo un ambiente donde uno supuestamente ser arriesgado, original e innovador: ¿Cuántos artistas hay que sobreviven siendo desnutridas versiones de Can, AMM, Cromagnon, Throbbing Gristle, Silver Apples, Glen Branca, Gang of Four, Les Rallizes Denudes, etc etc?. Pero claro, entre bomberos no vamos a pisarnos las mangueras.
(Todo bien, pero todo tiene un limite y la Era de la estupidez del indie parece haber alcanzado su cenit con el fenómeno creado alrededor de The Tiny Masters of Today [1])
En definitiva, últimamente mis mayores alegrías, emociones, descubrimientos, hallazgos musicales provienen (además de música underground y mainstream de décadas anteriores) de otros lados. Mi ensañamiento de ser DJ me ha hecho bajarme mucha música bailable de todas las épocas, con grandes sorpresas de artistas en periodo tardío del Disco en su transición al primer House (Frankie Knuckles –Baby wants to ride debe ser de las mejores composiciones musicales del SXX-, Alexander Robotnick, Kano, Instant Funk, Dexter Wansel) y en el italo-disco (lectric Workers, Advance, Ken Lazlo, NOIA, Lian Ross, Valerie Dore, Thanya, Empire, Sphinx[2]).
Muchas de mis otras recientes emociones, alegrías, sorpresas y sonrisas de satisfacción están relacionadas con artistas mainstream (o por lo menos con ambiciones de mainstream). Me han gustado discos de Amy Winehouse, M.I.A, Lilly Allen, t.A.T.u, The White Stripes, Lady Sovereign, Calle 13 e incluso me gustó Myths of the Near Future de los ultrahypeandos Klaxons. También me han gustado canciones sueltas de Pink (Who knew), Sugababes (Easy), Robbie Williams (Advertising Space), Arcade Fire, Kellis, Missy Elliott, Justin Timberlake, Nelly Furtado, The Presets, Simian Mobile, The Gossip, Artic Monkeys (al principio no me gustaban nada, pero los dos primeros cortes de difusión del nuevo disco tan buenos). Incluso la canción retorno de Take That (Patience) me pareció que estaba bastante bien. No estoy diciendo que estemos en una época dorada de la música pop (lejos estamos) pero algunas canciones me recordaron la época en que escuchar la radio podía ser algo agradable. Sinceramente además, muchas de estas obras me resultan mas entretenidas y emocionantes que escuchar un disco de No Neck Blues Band, Animal Collective o Hella.
Toda esta innecesaria introducción viene a cuento de en uno de los lugares donde más me encontré con agradables sorpresas fue navegando a través de myspace.
Cuando el año pasado un amigo me dijo hacia una semana que solo estaba escuchando música de bandas que encontraba en el myspace pensé que estaba loco. Mi primer contacto con el sitio fue mas bien de rechazo. Lo primero que uno se da cuenta es que además de todas las bandas malas y horribles que había en el mundo había miles de bandas igual de horribles e intrascendentes, todas envueltas en una desesperada carrera de búsqueda de atención (lo que las hacia más horribles aún). La casihorizontalidad que da el sitio a todas las bandas hace que el primer impacto sea medio traumático; en myspace se puede percibir al mundo de la música en toda su innabarcabilidad y variedad, con sus aberraciones estéticas, sus injusticias, su patetismo, sus luchas de poder y espacios, los problemas de ego y autoestima, los deseos desesperados de atención, los manotazos de ahogado en medio de una increible mediocridad promedio. Así el caótico mundo de la música que uno puede alcanzar a percibir en myspace es bastante mas realista que cualquier mundo que nos quiera inventar un medio. Pero en toda esa caótica maraña de relaciones y ambiciones he encontrado cosas realmente muy interesantes y artistas con sinceros deseos de utilizar internet de la mejor manera posible. Así que, nisiquiera un año después de lo de mi amigo, yo me he encontrado escuchando y descubriendo muchas cosas interesantes en el sitio. Muchas veces son artistas que no figuran en allmusic, no se encuentran en el soulseek y que están lejos de los principales centros de difusión cultural.
Como son muchos (muchos en serio) voy a hacer estos posts en tandas de 5 artistas. Voy a ser estricto y solo escribiré de bandas que descubrí a través del myspace, por lo que convivirán perfectos desconocidos con bandas de mediana popularidad independiente que encontré a través del sitio pero supongo que también las podría haber descubierto de otra manera.
Este post tiene lo bueno que poniendo links a myspace directamente escuchan la música por si solos y no tengo que esforzarme en descripciones.
Autonervous
Cosas del destino. Jessie Evans era miembro de The Vanishing, banda proveniente de la frecuentemente sorprendente y creativa escena de San Francisco. Siendo que su repercusión era mayor en Europa que en el resto de los Estados Unidos la banda decidió en 2005 radicarse en Berlín a ver si su particular cruza de cabaret-punk, electro-goth y comedia corría mejor suerte. Prácticamente al momento del arribo a la ciudad, Evans conoce a Bettina Köster, cantante de la brillantes Malaria!, banda que fue una de las principales animadoras de la Neue Deutsche Welle (el equivalente germano a la New Wave aunque con un enfasis mucho mas experimental). La conexión entre las dos chicas fue inmediata y decidieron crear un proyecto conjunto que terminó llamandose Autonervous. Buena suerte para Evans pero mala para The Vanishing que se separo rapidamente (quizas tan traumaticamente que el resto de los miembros han abandonado la musica hasta ahora).
Por mas de pertencer a diferentes generaciones y escenas, las dos mujeres tenian muchos intereses en comun, ademas del casual e interesante hecho de que las dos eran cantantes que tocaban el saxo. De efimera existencia, la banda grabo solo un disco e hizo un tour por Europa y algunos puntos de los EE.UU por los que recibieron buenas criticas. Autonervous suena un poco como un cruze de las bandas precedentes de sus integrantes, aunque lógicamente, algo mas minimalista. El cabaretero show de Evans es reducido en una aproximación mas punkie del asunto que le otorga Köster. Con una combinación de pocos elementos: dos saxos, dos cantantes y bases electronicas, despliegan en su musica una diversidad de resultados que combinan disco-house, noise, free jazz, electro-cabaret, after-punk generando un clima hipnotico, bailable, sexy y oscuro. Esto es entrenimiento adulto.
Al ser una banda de repercusión mediana, su disco es fácilmente encontrable en programas p2p. Actualmente las dos chicas se encuentran preparando discos solistas.
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myspace Autonervous
myspace Jessie Evans
myspace Bettina Köster
web Autonervous
Lindha Kallerdahl
Lindha Kallerdahl puede ubicarse en la tradición de cantantes femeninas con un pie en el jazz y otro en la vanguardia como Alice Coltrane o Annette Peacock. Su gran arma es la voz, a la que utiliza de manera juguetona (y habitualmente improvisada) de diversas maneras, haciendo malabarismos varios que a veces sobrepasan los limites de lo convencionalmente soportable, convirtiéndola en algo de efecto similar a un chirriante acople molesto.
Es poco conocida aún fuera del circuito escandinavo-germánico, en donde colabora en diversos proyectos prestando su increíble voz (él más destacable es la Tgli Orchestra y también colaboró, vía Mats Gustafsson, con Sonic Youth en el disco Hidros 3). En su trabajo solo generalmente canta con poco acompañamiento o directamente a capella. Por mas que no entienda nada de sueco, da la impresión que utiliza a ese idioma de manera creativa y adaptándolo brillantemente a sus composiciones, las cuales suelen avanzar imprevisiblemente por caminos ondulados y espinosos. Las estructuras son poco convencionales y combina una tranquilidad que bordea el silencio con violentas liberaciones de energía.
En Hawaii utiliza a su voz rítmicamente haciéndola a que haga acordar a un extraño ritmo tropical, la introducción de Gold podría sacrificar potenciales oyentes que no soportarían una introducción tan “molesta” pero luego se transforma en una balada jazzera casi convencional, en haterra su voz se convierte en un momento en algo parecido a un solo de saxo y en hatarra ori parece explorar las posibilidades musicales del sueco.
Lindha tiene un solo disco solista, Gold, de este mismo año.
Links:
myspace Lindha Kallerdahl
myspace tGli
Julia Dürer
Hay un problema para reseñar la música de Julia Dürer. Esta chica italiana tiene un finísimo gusto para música, literatura y cine (saco su seudónimo de un personaje de una película de Lucio Fulci, es fanática del cine y cultura trash/explotation de su país de la que demuestra saber mucho) y hace una apocalíptica música industrial. Parece ser simpática y tener un brillante uso de un humor sarcastico politico/ideologico. Teniendo en cuenta además que es lindísima, uno ya se encuentra entregado a que le guste su música por mas que esta quizas resulte ser una bosta con palitos.
Pero su música es bastante interesante. Dürer hace una música industrial instrumental del palo mas darkie del asunto, altamente influida por los compositores de cine de su país (recuerda mucho a Claudio Simonetti) y uno no pierde nada en escucharla.
Links:
myspace Julia Durer
Kumiko Okamura
Residente de Tokyo, Kumiko se hace cargo de todos sus (caseros) instrumentos a los que se aproxima de manera intuitiva y casi infantil. Dice que sus canciones son piezas improvisadas grabadas en una sola toma. Cuando canta en inglés (o seudo-inglés) recuerda un poco al indie anglosajón de hace algunos años, onda los primeros trabajos de Cat Power. De una tranquilidad casi ambient, son canciones simples, lineales y minimalistas que suelen terminar abruptamente. Su sonido no es exactamente lo fi, pero graba en su casa con un grabador de 4 pistas y un clima intimo y hogareño se traslada a sus canciones.
Tiene un disco, MDDA, pero creo que no ha sido editado convencionalmente sino en mp3s o virtual (se puede bajar fácil por ahí). Puede que le falta un poco de huevo sí, pero esta bastante bien.
Links
myspace kumiko
B.U.G. (Beyond the Unholy Grave)
Estos atorrantes son de los mios. Estos canadienses tomaron el espíritu del primer grindcore mas punkie y rudimentario y lo llevaron hasta sus ultimas consecuencias. Sus “canciones” son rusticas improvisaciones explosivas de ruido gutural sin sentido, grabados en extremo no fi. Extreme Noise Terror y Pussy Galore en el paleolítico eléctrico. Existen desde el 92 y tienen la delicadeza de poner su primer jam session en el myspace. Puro ruido saturado que parece un choque múltiple de trenes, helicópteros y godzilla. “We have 3000 hours of material recorded” Jaaaa, que genial.
links
myspace B.U.G.
Ta la próxima.
[1] Son el Hype del momento. En lugar de explicar que son reproduciré el texto de prensa de su sello en Inglaterra (Mute Records), toda una clase de marketing indie y generación de un hype, aunque demasiado evidente para mi gusto:
New York's Tiny Masters Of Today are set to release their debut album on Mute on 6th August 2007.
With an average age of 12 and weighing in at a total of 120 lbs, Brooklyn, New York's Tiny Masters of Today are certainly one of the youngest and tiniest bands toughing out the international club scene. Comprised of siblings Ivan (age 13) and Ada (age 11) the pre-teen punk duo have been tearing it up in the UK with two sold-out singles, rave reviews plus BBC and XFM airplay. Their spring UK tour saw them playing to packed houses and magazines from Newsweek (who called their "brief, bratty" songs "remarkable") to Artrocker (who put them on the cover and proclaimed them "the future of rock and roll.") to Guardian, the NME and a host of others have written about the siblings while none other than David Bowie declared their first single “Genius.”
Tiny Masters Of Today's debut album Bang Bang Boom Cake, features 13 songs including their new Mute Irregulars single Radio Riot. The album was recorded in New York with production duties handled by legendary Jon Spencer Blues Explosion drummer Russell Simins and the Elegant Too. Simins, who frequently serves as the band’s live drummer, plays on most of the album and there are a number of surprise cameos and collaborations brought out of the diverse New York music community Tiny Masters Of Today are growing up in. Kimya Dawson (Moldy Peaches), Fred Schneider (the B-52s), Gibby Haynes (the Butthole Surfers) amongst others all lend their unique talents to tracks.
With Bang Bang Boom Cake, Tiny Masters of Today have delivered on the promise of their previous singles, bringing an outrageous punk pastiche that touches on everything from hip-hop to techno to good old-fashioned garage rock. Lyrically, they still skewer politicians and adults and phonies, but somehow manage to avoid wallowing in grown-up cynicism. While there is a serious undercurrent, it is equally matched with enough hilarity to create something that is both serious and fun. Serious fun.
Pero esto no es lo malo, lo malo es que: la banda NO esta buena. O sea, no esta mal, pero estoy seguro que si le damos a niños de 5 años un teclado, un tambor, un xilofón de juguete y un pito van a hacer algo mas interesante.
El fenomeno parece hasta una especie de happening mediatico, pero aun asi, como BROMA, es bastante FEA.
[2] Enumerar nombres de italo disco es medio dificil porque se trata de una gran negocio hecho a partir de la necesidad del mercado de llenar de musica estaciones de radio y discotecas alrededor del mundo. De alguna manera el italo disco juega un papel equivalente al cine italiano explotation (que trataba de llenar los cines) ya que en los dos se trata de generar dinero con subproductos culturales que aprovecharan franquicias abiertas por exitos comerciales en el mundo anglosajón. Los nombres de los artistas en realidad son tramposos (muchos de ellos no sobrevivieron mas que un solo single) y se trata de un negocio desarrollado por una serie de productores que ponian a los mas diversos freaks de discoteca y otra gente deseosa de atención como cara visible de sus proyectos.
Etiquetas: autonervous, b.u.g., bettina koster, jessie evans, julia durer, kumiko, lindha kallerdahl, musica experimental, musica pop, myspace
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:: 23:30
La internet entró tan progresiva y sigilosamente en nuestras vidas que ni nos dimos cuenta. Es bastante obvio (negarlo seria de necio) que un adelanto tecnológico de este calibre va a provocar una especie de antes y después en la historia de las actividades humanas, aunque nos falta cierta distancia temporal y perspectiva histórica para poder apreciar las consecuencias del fenómeno en su total dimensión y aún no creo que todas esas consecuencias hayan terminado de desplegarse o rebelarse del todo. Esto recién comienza, en términos históricos 10 años no son nada.
No sé si a la larga estos cambios van a ser buenos o malos. Actualmente las consecuencias positivas de la internet me satisfacen (y marean) tanto que no pienso mucho en potenciales consecuencias negativas. No digo que no haya de estas ultimas, pero tiendo a pensar que la internet (tal como funciona ahora en la mayoría de los países en donde funciona) tiene mas cosas buenas que malas. OJO, tampoco estoy diciendo que sea la llave a una Nueva Era de paz, felicidad y prosperidad. No. Tampoco.
Para ilustrar la mayor y mejor consecuencia de la internet (mejor y más rápida circulación y accesibilidad de la información) voy a usar el mismo ejemplo que uso siempre:
Cuando era un adolescente inquieto y entusiasta por la música leí un dossier en la revista barcelonesa Ruta 66 dedicado al krautrock. Después de leerlo quedé tan exaltado que enseguida me puse en plan de conseguir alguno de esos aparentemente maravillosos discos que eran nombrados en la revista. Me recorrí la ciudad varias veces sin éxito alguno y pasaron (literalmente) años para que una copia de Neu! 75 y una recopilación de Can llegaran a mis manos (ni hablar de Amon Düül o Witthüsser & Westrupp).
Hoy en día, un adolescente inquieto y entusiasta de la música no tiene que, para empezar, esperar que una revista la cual los pocos números entraron al mercado local lo hicieron por una serie de casualidades comerciales, para enterarse de la existencia de algo llamado krautrock. Puede enterarse por varias fuentes, y cuando lo haga y se entusiasme de la manera en que yo me entusiasmé, se puede bajar la discografía entera de Can en un par de días.
Pertenezco a una generación que casualmente vivió el antes y después de internet. Hoy en día veo mucha gente de mi generación despotricando y criticando la facilidad con que las generaciones más jóvenes obtienen todo como si fuese algo malo. A decir verdad yo no le veo la gracia a estar pateándome todas las disquerias de Montevideo buscando un solo puto disco como si se tratase de un viejo tratado de alquimia del SXVI y realmente preferiría haber utilizado mas ese tiempo en haber escuchado los discos que en tratar de encontrarlos. He escuchado decir que ahora los adolescentes no valoran tanto la música porque la obtienen demasiado fácil. Bueno, si realmente hay gente que piensa que la música de Can solo es valiosa porque en su momento fue difícil de encontrar en esta parte del planeta... en fin, creo que se trata entonces de gente con problemas mentales serios.
(Dije krautrock como podría haber dicho textos de Debord o literatura anarquista actual).
La internet hace que estemos viviendo tiempos bastante particulares en los que se refiere a la circulación y acceso de la información. Es una frase hecha pero por eso no deja de ser cierta: nunca hubo tanta información al alcance de la mano y nunca su circulación fue tan rápida.
Una combinación explosiva se da si a esto le sumamos que las actividades humanas ligadas al arte y el entretenimiento se han disparado en cantidad en el SXX (sobretodo a partir de los años 60s) y no creo que hayan parado de crecer década a década. Si bien no tengo datos concretos, es probable que la producción artística y de entretenimiento en el siglo pasado (y este que recién comienza) sea mayor que en todos los siglos anteriores sumados.
Hoy en día, la cantidad de libros que se editan, discos que se publican, textos que se escriben, exposiciones que se hacen, conciertos que se realizan, películas que se filman, etc etc es abrumadoramente enorme. Y al igual que casi todas las actividades humanas del SXX, casi todo eso esta documentado. Y casi todo es accesible (y sino lo es ahora, lo será la semana que viene). El riquísimo archivo cultural del ultimo centenar de años aún esta descubriéndose y la historia del arte del siglo XX esta en continua reescritura y reconstrucción.
Hoy en día, no importa lo oscuro que sea tu proyecto artístico, este puede llegar a muchísimas persona a través de la web y se pueden generar así redes internacionales de cooperación entre artistas. No es que antes no existiesen, las redes de mail art y las networks creadas a partir del hardcore son algunos antecedentes, pero hoy en día estas redes de cooperación pueden funcionar con mayor rapidez y efectividad. Una audiencia, parte fundamental de esa experiencia colectiva que es el arte, es mucho más fácil de conseguir hoy en día que nunca.
Todo esto combinado da como resultado la famosa paradoja de los tiempos actuales: nunca hubo tanto acceso y difusión de información sobre las actividades humanas actuales y recientes, pero la cantidad de datos es tan opresivamente grande que es imposible procesar. Malos tiempos para los todólogos. He escuchado teorías conspirativas que dicen que esto es una especie de forma de censura moderna, una censura por saturación de información. Si bien yo siempre atiendo a este tipo de teorías paranoicas hay algo que es verdad y no hay que auto engañarse: la realidad (toda la información existente) siempre fue algo innabarcable, solo que ahora recién nos estamos dando cuenta de eso vivenciandolo.
Traslademos esto a alguien que quiere escribir sobre música contemporánea. Nunca antes la producción de música mundial estuvo tan al alcance de la mano: uno puede atender cualquier escena musical en cualquier parte del mundo por más emergente o oscura que sea. Algunos filtros que antes existían han desaparecido, como por ejemplo la siempre cuestionable selección de los sellos discográficos grandes y el caprichoso gusto de los vendedores de discos locales. Saber lo que esta pasando en el panorama de la música actual nunca pareció ser tan fácil, pero el volumen de la producción es tan gigantesco que es casi imposible poder darse cuenta que es lo realmente que esta pasando en la música contemporánea. Ante cualquier razonamiento o conceptualización se haga sobre el estado de la música actual uno tiene que aceptar lo parcial del mismo y lo incompleto de la información que es humanamente posible procesar para llegar a él.
Además hay que tener en cuenta que no solo la producción contemporánea es necesaria para entender la música actual. El pasado (reciente o no tanto) es una pieza fundamental de este rompecabezas. Y en los hechos el mercado editorial esta lleno reediciones de la riquísima producción musical del SXX (tanto de artistas masivos como de figuras oscuras) colaborando con esa reescritura permanente del pasado de la que venia hablando.
Se ha hablado que la función de los medios, tanto tradicionales como alternativos, es hacer de filtro y selección sobre esta abrumadora cantidad de información. Pero además de la siempre eterna cuestión de quien controla a la policía esta el asunto de: ¿selección sobre que?, si hasta la persona (o grupo de personas) mas informada del mundo esta solo enfrentándose a una mínima fracción de la información existente.
(En el campo de la ciencia, este mismo fenómeno ha dado como resultado dos cosas: una progresiva fragmentación y especialización, tanto de las disciplinas como de los científicos y una más inquietante aún: el promedio de edad de por ejemplo los premios nobel o de las personas que han hecho los grandes avanzes recientes en cada materia ha venido creciendo en los ultimos años dado que cada disciplina cuenta con una historia preexistente cada vez más grande ha asimilar)
Quiero aturdirlos un poco con números. Cada mes, una cantidad enorme de discos a escucharse sale al mercado. Una cantidad inabarcable para las posibilidades de un solo ser humano. Vayamos a un ejemplo mediante una revista especializada, él numero de abril del 2006 de The Wire:
Solo en la sección de reseñas de nombran 190 discos y hay publicidades de 157 discos más. Total: 367. O sea, que si uno quiere escuchar todos esos discos en un mes (ya que es una revista mensual) debería escuchar 12 discos al día. Pero bueno, hay otras cosas: en el resto de la revista se nombran bastantes discos mas, o sea que quizás ese numero hacienda a 500. Hay que tener en cuenta que lo que hace esta revista (y todas las revistas) por mas abarcativas que sean sus es intenciones, es hacer una selección de toda la producción mundial. The Wire especialmente ignora deliberadamente gran parte de la producción mainstream, gran parte de la producción las escenas musicales regionales no es reseñada, otras revistas hacen otras selecciones de la realidad, algunos artistas no editan discos o lo hacen de manera mas amateur, etc. Además, solo personas muy extrañas solo escuchan música. Generalmente (además de tener trabajos, vida y todo eso) la gente interesada en música lee libros, mira películas, ve tele, va exposiciones, y tiene otras aficiones. O sea, seguir la producción actual de música mundial es humanamente imposible.
(Curiosamente, seguir la producción mainstream de música sigue siendo mas o menos igual de fácil o difícil que antes, basta con de vez en cuando prender la tele, escuchar la radio o ojear determinadas revistas).
Teniendo en cuenta todo esto y cosas como que los discos necesitan varias escuchas y una especie de maduración antes de poder ser asimilados totalmente, pasa que muchos grandes discos que se han editado en los últimos años han pasado desapercibidos. Pero no me refiero desapercibidos para “el gran publico” sino que desapercibidos para muchos de sus posibles, potenciales y selectos escuchas. También este aluvión permanente de novedades hace que por parte de la critica el tratamiento de muchos excelentes discos sea bastante superficial y pasajero.
“Rock” y “ser joven” son ideas que hoy en día se encuentran totalmente marketinizadas y manipuladas con el fin de vender ropa o gaseosas. Muchos de los mejores discos editados en los últimos años están hechos artistas que han superado la edad que supuestamente deberían tener para hacer rock. También pasa que a muchos los “condena” su pasado. Hoy prácticamente cualquier lista mas o menos seria de “mejores discos de la historia del rock” incluye The Modern Dance de Pere Ubu o el debut de Suicide pero la brillante producción actual de David Thomas con Two Pale Boys o de Alan Vega con VVV no recibe la misma atención mainstream. También discos que estos artistas que han sacado promediando su carrera y que en su momento pasaron desapercibidos hoy tienen gracias a la internet la posibilidad de una segunda vida y revancha.
Las gigantescas posibilidades a la hora de elegir que escuchar han hecho que recientemente hablando con personas con las que hace años escucho música e intercambio información sobre ella que no conozco ni la mitad de los discos o artistas que han estado escuchado últimamente y viceversa. La comunidad de personas con la que convivo e intercambio información (que gracias a internet se internacionalizó) es para quienes que escribo. Este post pretendía (antes de irme por las ramas), además de una ser una especie de recontextualización de lo que significa escribir sobre música hoy en día, ser la introducción a una serie de reseñas de discos recientes que han pasado mas o menos desapercibidos o discos que merecen, en mi opinión, una segunda oportunidad. Pero no pretendo ser un justiciero de alcance global, le estoy escribo a mis amigos y miembros de mi comunidad.
Próximamente, mas chicas con poca ropa.
Etiquetas: chicas lindas, internet, música contemporánea
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Industrial Records no era solamente un sello discográfico[1] :: 21:35
“Estoy dispuesto a procurar al público choques morales benéficos. La civilización se ha convertido en algo tan protector frente al hombre que ya no es posible que se nos ponga instintivamente la piel de gallina. Ésta es la razón por la cual, para desperezarnos y recuperar nuestro equilibrio moral, es necesario suscitar ese choque artificialmente. El arte me parece el mejor medio para alcanzar este resultado”
Alfred Hitchcock, en una conferencia de prensa en Hollywood, en el año 1947.
Estamos en Inglaterra a mediados de los 70s y el rock ya no asusta a nadie
La frase del titulo del post suena sospechosa porque recuerda a lema barato de corporación (“no somos solamente una empresa...”) pero resulta que cuando hablamos de Industrial Records es verdad: Industrial Records no era solamente un sello discográfico.
Industrial Records nació y murió con Throbbing Gristle. No es posible entender a uno sin el otro (inclusive es posible especular sobre quién es el producto de quién) y Throbbing Gristle nació como una evolución, extensión, transformación de Coum Transmission.
Todo esto puede ser una obviedad para algunos, pero hay que entender que Industrial Records nació en el seno de un grupo de perfomance art y que nunca dejó de ser, al mismo tiempo que un sello discográfico, un proyecto artístico en sí mismo. Por lo tanto sus acciones no deberían ser solo leídas como las de un sello discográfico cualquiera, sino también como las de un grupo de perfomance art. Y de uno bastante particular, ya que como grupo de performance Coum Transmission (originalmente Genesis P-Orridge y Cosey Fanni Tutti, luego se sumarían Chris Christoferson y Chris Carter) que se tomaban las cosas muy en serio.
Dicen las crónicas que sus presentaciones -siempre en salas de arte- se convertían en experiencias extremas, intensas y perturbadoras que incluían sexo explícito, violencia física, fluidos corporales varios, el uso de imágenes convencionalmente consideradas desagradables o de “mal gusto” y en donde los artistas habitualmente caían en profundos estados de trance donde parecía que cualquier cosa podía suceder en cualquier momento. La extrema (pero conciente) “gratuidad” con que el grupo utilizaba todos esos elementos generaba todo tipo de reacciones. Naturalmente eran muy frecuentes las del tipo: “Esto no es arte, esto es la cosa más desagradable que vi en toda mi vida y estas personas están enfermas”[2].
Origen
Industrial Records no nace de la nada. Se tomaron algunas de las ideas más radicales del arte moderno: dadaismo, futurismo, situacionismo, accionismo vienés, minimalismo, cut-up, poesía concreta, música concreta, pop-art y lo importante es que estas no solo se aplicaban a la música sino a todos los aspectos que comprendían el “producto pop” (presentación, puesta en escena, promoción, difusión, etc.). También hay influencias de escritores como Aleister Crowley, William Burroughs o Phillip K Dick. Dentro de la tradición del rock también hay algunos antecedentes: The Velvet Underground, The Monks, Pere Ubu, Electric Eels, Residents, Silver Apples y casi al mismo tiempo estaban Suicide y los Sex Pistols que intentaron hacerlo en menor o mayor grado. Pero el caso de Throbbing Gristle e Industrial Records era especial porque detrás de ellos no habían managers o artistas que querían convertir a músicos en esa otra cosa, sino que ellos mismos eran los artistas que se convirtieron en músicos, managers y diseñadores trabajando todos en un gran experimento.
Antimusica
El éxito de los repetitivos e hipnóticos ruidos electrónicos producidos por Chris Carter en el último año de vida del grupo hicieron que los integrantes de CT se fuesen interesando cada vez mas por explorar el terreno de la música. Así nace Throbbing Gristle.
La expresión antimúsicos se ve a menudo asociada a Throbbing Gristle, de hecho, ellos mismo la habían propuesto. Pero la expresión solo es válida en el sentido de una posición en contra de la idea de que los músicos necesitan cierto tipo formación especial (académica o no) para poder ser considerados como tales o en contra de la idea de que son seres diferentes y especiales, iluminados por alguna fuerza superior del destino.
Salvo Carter, ninguno de los integrantes de TG tenía formación o experiencia musical alguna. Cualquiera puede hacer música y cualquiera tiene el potencial de desarrollarse creativamente en ese campo. Solo tiene que proponérselo. Cualquier discurso que diga que la música es algo difícil o complicado de hacer lo único que busca es mantener el control de la música en manos de sus actuales usufructuarios, ya sean empresas o los mismos músicos.
También contribuía a la idea de antimusica (que bien que suena esa palabra) las propias ca